Compañía do Chapitô. Teatro gestual.Comedia. Humor negro. Portugal

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Sinopsis:

Los perros muertos no ladran. ¿O sí?

Las personas muertas no pueden bailar. ¿O sí pueden?

La última producción de la Compañía do Chapitô es una comedia negra acerca de una familia con un problema… bastante serio. Una familia que tiene su propia y especial manera de lidiar con la muerte de un ser querido. Una familia rota por la muerte, pero que al final acaba uniéndose de nuevo…

La misma pregunta año tras año. ¿Qué vamos a hacer esta vez? En el pasado hemos adaptados a los clásicos, les hemos dado codazos, les hemos metido el dedo en el ojo, les hemos dado la vuelta para hallar nuevas formas de presentarlos.

Decidimos trabajar sobre el tema universal de la muerte. La trama emergió tan pronto como empezamos a divisar el proceso, y casi inmediatamente apareció una familia. Padre, madre, hijo y perro. El humor en nuestra nueva obra es negro, muy negro, y tiene sus momentos violentos y macabros. Pero todo, acaba conectando con lo cómicamente absurdo.

Ficha artística:

Creación Colectiva

Dirección- John Mowat

Interpretación- Jorge Cruz, Marta Cerqueira, Tiago Viegas

Asistente de Dirección- Katrina Brown

Grabación y Edición de Sonido- Tiago Cerqueira

Escenografía- Kevin Plum

Producción- Tânia Melo Rodrigues

Traducción de textos- Carole Garton

Asesoría de Prensa- Sofía Lourenço

Diseño Gráfico- Alex Gozblau

Fotografía- Filipe Saraiva

Diseño de Luces- José García, Luís Moreira

Sobre la compañía:

En el verano de 1996, en la secuencia de la organización y producción de numerosos espectáculos y animaciones, Chapitô inició el proceso de creación de una Compañía donde pudiera solidificar un lenguaje artístico propio.Al largo de estos años se crearon espectáculos callejeros, de sala, de caféteatro, para niños, para adultos, con texto, sin texto, a partir de personajes, a partir de la nada, experimentando y aprendiendo en cada construcción nueva. Desarrollando un sistema de composición, peculiar en la Compañía del Chapitô, los elementos vocales, instrumentales, gestuales,rítmicos y plásticos están al mismo nivel del texto y a la vez al servicio de la comunicación. El texto escrito no es la base, sino el resultado del trabajo en escena, dejando la parte más ancha a las técnicas de improvisación y elaboración colectiva.En el recorrido hecho por la Compañía del Chapitô, con alguna frecuencia recurrimos a textos clásicos, pues sentimos que convierten una fuente de inspiración inagotable, jugando con todas las referencias culturales del mundo occidental. Pretendemos que la comedia clownewsca corresponda directamente al juego, a la broma, a la risa y a la capacidad de usar el texto para criticar nuestra realidad física y social. Comprendemos la risa como una arma social suministrando condiciones perfectas para criticar nuestro propio medio. En relación a la escenografía optamos por traer a escena el mínimo de elementos. En esa casi ausencia de escenografía, la imaginación del público y de los actores gana total libertad. Queremos que todos los elementos escénicos nazcan de ese conjunto de improvisaciones, donde no existe la necesidad de construir elaboradas escenografías y donde la concepción escenográfica ayude a crear la idea de un lugar imaginario, que es apropiado por los actores. La búsqueda de la complicidad con el público es también una constante en el trabajo de la Compañía, a través de la creación de momentos, en el transcurrir de los espectáculos, donde se establece el juego directo con la platea, a través de la utilización de un lenguaje teatral bastante gestual. Este hecho abre varios caminos en el sentido de la posibilidad de itinerancia. Buscamos insertar grupos que generalmente son excluidos del acto teatral, como por ejemplo la comunidad sorda. La compañía ha apostado fuertemente por una política de tour y de rentabilización de sus espectáculos, divulgándolos nacional y internacionalmente. De esta forma, esperamos llevar el teatro, aun grupo más joven, que representa ampliamente nuestro publico diana, cumpliendo uno de los objetivos que proponemos que es, la formación y la captación de nuevos públicos.Buscamos de esta forma, con el trabajo que hemos venido a desarrollar, crear una forma teatral, capaz de quebrar barreras impuestas por el lenguaje verbal. Que se asiente en un proceso de comunicación libre, no dependiente de la palabra para expresar el comportamiento humano. A través de este lenguaje es lícito esperar que se forje un género de teatro más universal, reinventando la comedia visual.

Ficha técnica:

Duración: 60 minutos.

Destinado a público joven y adulto.

No genera derechos de autor.

Escenario: 9 m. Embocadura / 8m. Fondo / 5 m altura

Cámara negra  / 2 personas carga y descarga / 1 técnico iluminación / 1 tramoyista.

Para cada función es necesario pedir a los teatros que tengan lo siguiente:

El piso con Linolium, negro o de madera negra en muy buen estado.

2 rebanadas de pan,

1 loncha de queso,

1 loncha de jamón,

1 gran paquete de patatas fritas,

6 servilletas de papel

2 pilas Alcalinas

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Ficha técnica y artística

Dosier Perro que muere no ladra. Portugués e Inglés.

Imágenes:

Elirale konpainia. Juguete danzante contemporáneo. Francia

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Sinopsis:

El blanco por el invierno y el rojo por su brillo… Ninika o “yema” en euskera es una oda al cuerpo, a través del vestuario y el movimiento, durante la cual pequeños y mayores compartirán un gran momento de poesía y sensualidad.

Esta obra coreográfica para 3 bailarines, en la que se intercalan el lenguaje contemporáneo y el lenguaje tradicional vasco, va dirigida a un público joven a partir de los  4 años. La poesía y lo absurdo se entrelazan a lo largo de los sainetes. Ninika, con su colorido rojo en el suelo,  sus elementos cúbicos encajables blancos que dan forma al espacio y al tiempo, nos lleva hasta la esencia… la esencia misma del movimiento corporal. A través del vestuario, de la historia de los trajes, Ninika nos conduce por un viaje intemporal y transtemporal que,  con el paso de las estaciones,  viste y desviste para enfrentarnos a cierta desnudez. De este modo, se dirige también al público adulto que podrá hacer su propia interpretación.

VALOR AÑADIDO: POSIBILIDAD DE HACER DOS TALLERES DE DANZA, PARA 18 PARTICIPANTES CADA UNO, PREVIOS A LA FUNCIÓN.

Ficha  artística:

Bailarines: Célia Thomas, Lorentxa Iturralde y Jose Cazaubon
Coreógrafa: Pantxika Telleria
Asistente de dirección: Joxelu Berasategui
Asesor de danza tradicional: Jon Maya
Música: Joseba Irazoki
Escenografía, diseño de vestuario, visual: Maialen Maritxalar
Accesorios: Annie Onchalo y Compañía Suak
Vestuario: Karine Prins
Iluminación: Javi Ulla

Sobre la Compañía:

Fruto del deseo de Pantxika Telleria, coreógrafa de San Juan de Luz, la Compañía EliralE ve la luz en marzo de 2001.
0001 es el 1er solo creado para Amandine Mano, que actualmente baila en el ballet de Nancy. Su 2º solo, Firua, creado con Célia Thomas, obtuvo el primer puesto en la categoría “Jóvenes Coreógrafos” del Gobierno Vasco en el año 2002. Ese mismo año, Pantxika Telleria responde a la invitación de la Escuela del Ballet National de Marseille-Pietragalla creando Esquisse pour une vie, obra coreográfica para 15 bailarines. Fue presentada en mayo de 2002 en la Ópera de Marsella y ha permanecido en el repertorio de la escuela.
En julio de 2002, el festival de Carcassonne da a conocer la Compañía EliralE. En él, se presenta el programa Eden, que se compone de 3 obras: Andante, Eden y Exquise exubérance. Se difunde en agosto, septiembre y octubre de 2002, especialmente en San Juan de Luz, ciudad de origen de la compañía. En las representaciones realizadas en Francia y España, pero también en los talleres de sensibilización y los ensayos abiertos, tanto el público como la prensa han sido de lo más entusiastas con las propuestas de la coreógrafa.
En 2003, Pantxika revisa su lenguaje gestual creando las obras Hiruki y Lauki, presentadas en el festival le Temps d’Aimer de Biarritz. Al tiempo que dirige la compañía, Pantxika realiza actividades sobre el terreno, especialmente en torno a la sensibilización de los niños, colegiales, estudiantes o bailarines de todo el mundo con la danza tradicional vasca.
El año 2004 supone un nuevo ciclo en la vida de la coreógrafa y de la Compañía. Tras su reciente maternidad, Pantxika siente la necesidad de acercar el mundo de la creación al público joven: así, nace Kadira en 2005.
El solo 23: 22 es creado en 2006 bajo una forma experimental cuyo intérprete es Sébastien Bertaud, bailarín de la Ópera de París. Este trabajo constituye un nuevo eje para la coreografía e influye en Lodikroko (obra para niños pequeños) y Pastiche (obra para nueve bailarines de más de 50 años y quince músicos). Ambas fueron creadas en 2007. A principios de 2009, Pantxika Telleria responde a la invitación de Jon Maya y crea Soka con la Compañía Kukai. En mayo de ese mismo año, la Compañía EliralE cambia de rumbo instalando las secciones artística y administrativa en Ascain, en Jauregia, un lugar preparado para la danza. En noviembre de 2009, la Compañía, respaldada financieramente por la Mancomunidad Sud Pays Basque, vuelve al mundo de la infancia creando Otto. En 2010, una nueva colaboración con Jon Maya desemboca en la creación de Sok2, pieza para 7 bailarines y 3 músicos. Con la nueva creación anunciada para 2011, Ninika, la actual dirección de investigación consiste en estudiar las resonancias corporales en nuestra vida cotidiana.

Ficha técnica:

Duración: 45min
Público: joven a partir de los 4 años

Derechos de autor incluidos en el cachét.
Dimensiones mínimas del escenario: 8m boca x 6,4m de profundidad
Altura bajo luces: 4m mínimo
Suelo de madera recubierto de linóleo rojo suministrado por la Compañía.

Necesidad de hacer oscuridad completa.
Plano de luces y necesidades sonido en la ficha tecnica adjunta
Camara negra como indicada en el plano de luces.

Imágenes:

Descargas:

Plano de luces

Dosier castellano

NINIKA – euskera

Sitio web:

elirale.org

Enfila´t. Teatro, Circo, Música y Papel. Cataluña.  Distribución País Vasco: Portal 71.

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Sinopsis:

Premio FAD-Sebastià Gasch de Artes Parateatrales 2010. Premio de Circo de Cataluña al Mejor Espectáculo 2010.

Nos empeñamos en creer que la vida está organizada con mucha precisión pero en cada pliegue nos impresiona y nos sorprende. Plecs representa los pliegues, los del cuerpo humano con sus articulaciones, sus movimientos, los del papel que cuando se pliega, se desplaza y ocupa el espacio. En un espectáculo donde todo, en cualquier momento, está a punto de esfumarse, nada mejor que un aparato insólito llamado el cablipside. Un invento compuesto por un hilo tendido entre dos elipsis que viene añadir desequilibrio al desequilibrio. El hilo oscila, los cuatro intérpretes se apoderan de los instrumentos de música, en el escenario todo se transforma, manipulación, malabarismo, equilibrismo, danza.
Una coproducción de Enfila’t con el Centro de Artes Escénicas de Reus (CAER), el Teatre Nacional de Catalunya (TNC) y circ que o! – Pirineos de circo.

Dossier Plecs.english     Dossier Plecs. français     Dossier Plecs. català      Dossier Plecs. castellano

Ficha artística:

Idea original: Manolo Alcántara; Xavier Erra
Creación colectiva dirigida por Manolo Alcántara, Enric Ases, Karl Stets
Música original Xabi Eliçagaray
Escenografía: Xavier Erra
Vestuario: Rosa Solé
Illuminación: Joaquín Guirado
Sonido: Nuño Vázquez/Enric Vinyeta
Diseño gráfico: Salon de Thé
Fotografías: Patrícia Esteve , Cathy Loughran
Jefa técnica: Laura Gutiérrrez
Producción: Enfila’t
Interpretación: Manolo Alcántara ; Xabi Eliçagaray;Claudio Inferno ;Karl Stets
Diseño cablípside: Manolo Alcántara
Construcción cablípside: David Anglas
Asesoramiento coreográfico: Cecilia Colacrai

Sobre la Compañía:

Una breve reseña de la compañía:
Compuesto por miembros procedentes de países y regiones tan diversos como Argentina, Dinamarca, Cataluña y el País Vasco, este grupo presenta su creación 2010, Plecs . Esta creación recurre a disciplinas eclécticas como la música, el arte del funámbulo, las bellas artes, la acrobacia y el teatro.
Para esta creación colectiva, Manolo Alcántara se rodeó de artistas experimentados y muy prometedores, un músico y dos acróbatas (uno es Karl Stets), un nuevo aparejo de circo: un cablipside (un cable tendido entre dos elipsis).

El recorrido de PLECS empieza hace ahora dos años a partir de la idea y un primer guión del artista Manolo Alcántara y el escenógrafo Xavier Erra. El mismo Manolo Alcántara, Karl Stets, Xavier Eliçagaray y Claudio Dorigo han llevado a cabo un proceso de creación colectiva, que con la ayuda de Enric Ases en la dirección, ha dado su fruto en este espectáculo, donde todos los números de circo, así como la música, son de nueva creación.

Ficha técnica:

Espectáculo de sala
Sin texto
Duración: 65 minutos

Dimensiones mínimas:
9 mts. de ancho de boca x 12 mts. de ancho de escenario
9 mts. de boca a telón de fondo
5,5 mts. de alto hasta las barras de los focos
Escenario con un 0 % de inclinación con superfície de madera sin ningún tipo de irregularidad, agujero o desnivel.
Cámara negra:
Disposición en calles de una anchura máxima de 1,5 mts. Se debería evitar qualquier aforo.
• Tiempo de montaje: 8 horas (descarga incluída)
• Tiempo de desmontaje: 2 horas (carga incluída)
Acceso de carga y descarga: debe posibilitar el acceso de una furgoneta y remolque de 12 mts.de largo x 2,5 mts. de ancho x 3 mts. de alto y de un peso (P.M.A.) de 4 toneladas.

Imágenes:

Descargas:

Plano de luces. catellano

Ficha técnica. castellano

Technical rider. english

Lighting-plan.english

Fiche tèchnique. français

Fitxa tècnica. català

Micomicón. Comedia dramática. Madrid. Distribución Pais Vasco y Navarra. Resto: A Priori

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Sinopsis:

Hay una cama. Y en ella, desde tiempos inmemoriales yace una mujer repleta de memorias. Y desmemorias. Recuerda cosas, peripecias, nombres y avatares, recetas culinarias y canciones que hunden sus raíces en tiempos remotísimos. Es una enciclopedia viviente y eternamente moribunda. Pero su saber es un filtro, un cedazo que dice lo que es y lo que no es, lo que fue y lo que no fue. Porque hay cosas que es mejor no recordar.
No es Comala. Pero hay sombras del pasado que van a volver. ¿Qué quieren? No es Macondo, pero hay más de cien años de soledad y de dolor y de secretos. No es Vilagarcía de Arousa, pero hay una risotada honda que rebota y rebota, desdentada, maloliente y bufa.

Perpetua vive acostada desde tiempos inmemoriales. Sus dos hermanos, Plácido y Pacífico, atienden sus necesidades y se ocupan de la casa. Entre los tres sostienen un lucrativo negocio basado en las cualidades de Perpetua. Y es que Perpetua es santa. Santa y visionaria. Es capaz de predecir el futuro, de ver el presente y el pasado, de hacer que se preñen las mujeres estériles, de encontrar novio a las que ya han perdido la esperanza, de curar la gota y el asma, aliviar los dolores y quitar la tos, y, en sus ratos libres, conversa con sabiduría con los canónigos de la Catedral.

Pero Perpetua esconde un secreto oscuro, muy oscuro que se pierde entre girones de niebla y años.

A Perpetua le remuerde la conciencia y la conciencia es como la propia muerte, no se la ve venir. No se escapan a la sorpresa de su encuentro ni las Santas ni las visionarias.

El mundo perfecto de visitas, visiones, bendiciones y canónigos se desmorona como un castillo de naipes con la aparición de un cuarto personaje, Zoilo, que pondrá patas arriba todo el universo de los tres hermanos.

Desde ese momento nada volverá a ser lo mismo.

Ficha artística:

Reparto: MANUEL AGREDANO; MARCOS LEÓN; MARIANO LLORENTE; JUAN RIPOLL

Escenografía y diseño de cartel y programa: ARTURO MARTÍN BURGOS

Vestuario: ALMUDENA R. HUERTAS

Iluminación: LUIS PERDIGUERO

Fotografía: ANTONIO VERDÚ y DAVID RUIZ

Regiduría: ANTONIO VERDÚ

Ayudante de dirección: ANA VARELA

Texto y dirección: LAILA RIPOLL

Sobre la Compañía:

SANTA PERPETUA cierra una trilogía que empezó, a principios de este siglo, con ATRA BILIS.  Podríamos llamarla TRILOGÍA FANTÁSTICA, en la que la memoria, los recuerdos, lo paranormal, lo esperpéntico, el humor y la mala leche se dan la mano y juegan al corro de la patata.

Países visitados:  Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Costa Rica, Chile, Ecuador, Egipto, El Salvador, España, Estados Unidos, Francia, Guatemala, Honduras, Italia, Portugal, México, Nicaragua, Panamá y Venezuela.

Algunos premios recibidos: “José Luis Alonso”, “Ojo Crítico” de RNE, Mejor texto y espectáculo del Festival Hispano de Miami, Finalista MAX en dos ocasiones, “Garnacha” al mejor actor en dos ocasiones, “Lázaro Carreter”, Finalista Nacional de Literatura Dramática, del público de Rivadavia, Feria de Huesca al mejor espectáculo en gira, Certamen de Directoras de Escena en dos ocasiones, “Manuel Azaña”, “Caja España”, “Arcipreste de Hita” a la mejor actriz, Mención del jurado “Mª Teresa León”, entre otros…

Otra vez Borges, y Valle Inclán, y Rulfo, y la tradición musical española, y las abuelas, y los cuentos de vieja al amor de la lumbre, y las castañas por el día de los santos, y la superstición, y la raya de Portugal, y el café con leche, y Santa Bárbara cuando truena, y los tontos, y los listos y, cómo no, España con sus tres culturas y don Antonio Machado.

PRODUCCIONES MICOMICÓN nace  en 1992 y, desde entonces, ha producido dieciocho espectáculos que se han mostrado en veinte países europeos y americanos.  Además de realizar giras nacionales e internacionales, Micomicón ha impartido cursos en varios países europeos y americanos y ha recibido importantes galardones nacionales y extranjeros.

SOBRE LAILA RIPOLL. Es socia fundadora de Producciones Micomicón donde ha dirigido catorce espectáculos.Ha dirigido también para el Centro Dramático Nacional, para la Compañía Nacional de Teatro Clásico y para el Teatro Español.

Ha publicado o estrenado los siguientes textos: “La Ciudad Sitiada”, “Unos cuantos piquetitos”, “Árbol de la esperanza”, “Atra Bilis”, “El día más feliz de nuestra vida”, “La frontera”, “Victor Bevch”, ”Que nos quiten lo bailao”, “Los niños perdidos”,  “Basta que me escuchen las estrellas”, “Restos” , “Santa Perpetua” y “Pronovias”.

Ha recibido los premios “Ojo Crítico” de Radio Nacional de España, “José Luis Alonso” de la Asociación de Directores de Escena, “Artemad”, y “Caja España” para textos dramáticos, entre otros. Así mismo ha sido finalista del Premio Nacional de Literatura Dramática y del Premio Max  al mejor texto en castellano. Su obra está traducida al árabe, inglés, italiano, griego, francés, portugués, rumano y euskera.

Ficha técnica:

Escenario:Alto: 4 m;Ancho: 10 m; Fondo: 8 m

Sonido: Dos lectores de CD

Iluminación: Adaptable para 12, 24 o 36 canales.

Duración: 1 h. 20 m.

TÉCNICO: ANTONIO VERDÚ 618 30 65 08

Imágenes:

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Santa Perpetua – Dossier Crítica

dosier definitivo santa perpetua

Ficha técnica Santa Perpetua

Victor Gama.Performance solista, música y vídeo. Portugal

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Sinopsis:

SOL(t)O es un espectáculo multimedia en el que se presentan composiciones recientes para Acrux, Tohá y Dino, y en el que se proyectan imágenes de Tectonik:TOMBUA, el proyecto que Victor Gama desarrolla en el desierto de Namibia, en el suroeste de Angola. Una de las presentaciones más mediáticas de SOL(t)O tuvo lugar en el Carnegie Hall de Nueva York, el 12 de marzo 2010. En este espectáculo, Víctor Gama desarrolla una paleta de sonidos construidos a partir de elementos de percusión y arpegios de cuerda que cierran el círculo entre la música del gamelan indonesio y compositores contemporáneos como Francis Bebey, Steve Reich y Erik Satie. Tocando instrumentos acústicos que él mismo construye, los Pangeia Instruments (nombre del álbum producido por Aphex Twin, y que lo llevó a aparecer en escenarios de todo el mundo), Gama explora las fronteras entre elementos  folk tradicionales, la electrónica y la música improvisada.

VALOR AÑADIDO: Posibilidad de realizar exposiciones con los instrumentos interactivos construidos por el músico: PANGEIA EXPO. También de organizar talleres para todos  los públicos: PANGEIA WORKSHOPS.  http://www.victorgama.org/

Sobre el músico:

Como músico, compositor y creador de instrumentos contemporáneos, Víctor Gama explora la intersección entre lo virtual y lo físico, lo digital y lo analógico, y el modo en que ésta se manifiesta como un nuevo territorio musical y sonoro. Recurriendo a modelos 3D y a tecnologías de fabricación avanzadas, hace uso de elementos dinámicos y variables que surgen en un
proceso de composición que incluye la concepción, el diseño y la construcción de los instrumentos con los que se ejecuta la obra musical, dando así origen al conjunto de instrumentos e instalaciones de la serie de Pangeia Instruments. Gama colabora actualmente con la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Kronos Performing Arts Association, el Museo Nacional
de Escocia, el Instituto Stanford para la Creatividad y las Artes de California y la Fundación
Príncipe Claus de Holanda. Su más reciente trabajo para cuarteto de cuerda y Pangeia Instruments fue recientemente estrenada por el Cuarteto Kronos en el Carnegie Hall de Nueva York. Gama ha estado en el origen de proyectos como Berimbau-Ungu, con los percusionistas Naná Vasconcelos y Kituxi, Folk Songs Trio con los neoyorquinos William Parker y Guillermo E. Brown,
y Makakata Exchange en Sudáfrica, con Dizu Plaatjies y Warrick Sony. Gama comenzó el primer archivo digital de música y músicos del interior de Angola, el proyecto Tsikaya – Músicos del Interior. Expone regularmente en los EE.UU., Canadá, Europa, África y América del Sur. Entre otros trabajados editados se encuentran el álbum Pangeia Instrumentos, producido por
Aphex Twin para Rephlex Records, y Oceanites Erraticus, editado por PangeiArt.

Ficha técnica:

Suelo: Es preferible suelo negro y liso. Tipo de reciento requerido:   Salas tradicionales de teatro, íntimas, con asientos. Otros recientos como iglesias o teatros al aire libre son también posibles, en condiciones técnicas apropiadas.

Personal:  Un técnico de iluminación.  Un técnico de sonido.

Sonido:  Tres (3) stands bajos.  Tres micros de condensadores (preferible Schoeps, Newman…).  Tres (3) monitores para escenario.  Mesa de mezclas con un mínimo de 24 entradas y 8 canales auxiliares.  Seis (6) cajas DI.  Dos (2) procesadores multi-efectos (TC Electronics, Lexicon, otros…)

Iluminación:  Consola de control.  6 perfiles, 3 en la parte delantera del reciento y 3 sobre los instrumentos.  12 PC;  6 Par;  Un dimmer reservado para la luz dentro de los intrumentos (se requier PAR 16 or 32). Vídeo   Reproductor de DVD.  Proyector de 3000 a 6000 lumen . Lente de proyector de ángulo ancho si es posible – es necesario que cubra toda el área del fondo del escenario. Pantalla para el escenario, desde el nivel del escenario hasta el peine, y tan ancha como sea posible.

Imágenes:

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SOL(t)O de Victor Gama – Dosier

SOL(t)O de Victor Gama – Dosier de Prensa

Sitio web:

http://www.victorgama.org/